ECOS DE VINILOS - TOTO

 "TOTO",TOTO,1978,COLUMBIA RECORDS

Este texto esta dedicado a mis hermanas y hermanos.

Si no recuerdo mal,este es el segundo disco que me compre con mi dinero y seguramente habra sido en Discos Manzana o en Galerias Preciados.Y si no recuerdo mal,el primero habia sido el de Joe Jackson,"I'm The Man",1979,A&M Records,que en casa habia pasado desapercibido pero que se convirtio en uno de los discos de mi vida.Mi hermano Jose,que era el que se encargaba de la coleccion de discos se nego a incluir el de Joe Jackson en la coleccion,asi que no le puso un numero...Pero con el disco de Toto paso totalmente lo contrario.Este si que le habia gustado y si lo incluyo en la coleccion con el numero 124 de la coleccion de LP's.Se lo llego a grabar entero en una cinta de 60 minutos para asi poderlo escucharlo en el coche y llevarselo de boncho al Norte o al Sur de la isla.Mis hermanas Pilar y Cristina tambien lo escucharon y es que habia una cancion que sonaba en todas las emisoras del mundo.Era el  ya mitico "Hold The Line",que llegaria a hacerse tan famoso como el "Eye Of The Tiger" de los Survivor,en 1982.

¿ Cual de las dos canciones gano la batalla imaginada del Pop ? Pues ya sabes cual,o no ?

Estaba claro que yo queria empezar de cero mi propia coleccion,y por supuesto el disco de Toto sigue estando en ella y lo he escuchado entero una vez mas para escribir todo lo que voy a escribir.Las elecciones de los discos tenian diferentes motivos mas alla de las portadas.Asi que mas que una reivindicacion de este disco,el primero de Toto,y de el mismo grupo en general,esta es una exposicion y busqueda de razones.Durante un tiempo yo fui uno de los seguidores del grupo y no me siento culpable de nada.Tuve algun disco mas de ellos pero acabaria perdiendoles la pista,En cualquier caso,aquel primer disco se quedo en la cabeza y me abrio un mundo de estilos musicales que llega hasta hoy en dia y mas alla.Siempre me ha aburrido escuchar la misma musica todo el tiempo y es que la musica esta viva y coleando.

Pero...¿ Que era lo que yo sabia de Toto en aquel momento en que me compre este disco ?

Aparte de que tenian una cancion de exito,un numero Uno en las listas,algo que podias leer en todos los articulos es que eran musicos de estudio o musicos de sesion que en un momento dado habian querido grabar sus propias canciones y a su nombre,y habian dado ese paso.

La historia habia empezado en el Grant Hill School&Rural Still Life de Los Angeles donde algunos de los miembros cursaban sus estudios.Pero cuando salio este su primer disco como Toto,todos ellos ya eran unos veteranos de los estudios,habiendo grabado con Steely Dan,Seal And Crofts,Boz Scaggs,Sonny And Cher y muchos artistas mas.Los miembros originales de Toto fueron los siguientes:

David Paich en los teclados,hijjo de el gran Marty Paich,pianista,productor discografico,compositor,arreglista,director musical,y director de orquesta de Jazz que trabajo con un monton de los grandes,destacando sobre todo su labor junto a Mel Torme y Ray Charles.Despues estaba Jeff Porcaro a la bateria,hijo de Joe Porcaro,bateria de Jazz que trabajo muchisimo y llego a liderar una banda con Emil Richards,un gran vibrafonista y excelente en la percusion en general.Cosas de la vida,tanto Marty Paich como Emil Richards aparecerian mas tarde en la carrera de Toto.

El hermano de Jeff,Steve Porcaro estaba tambien en los teclados y en la voz,despues David Hungate a el bajo y que habia participado en sesiones con Alice Cooper y Boz Scaggs.Bobby Kimball era el cantante principal de el primer disco de Toto aunque tambien hacia coros para Paich y Lukather.Kimball venia de una banda llamada The Levee Band y se habia hecho un nombre en la zona de Nueva Orleans,cantando Ritmo y Blues,Swamp Pop y Cajun.Por ultimo,Steve Lukather en las guitarras,voz y coros.Un prolifico musico de sesion que grabaria hasta 9 discos en solitario,compañero de instituto de los Porcaro.

Para la gira de 1979 se les unio Tom Kelly,guitarra y coros,y Lenny Castro,a la percusion,y que se puede decir que era un miembro oficial de el grupo a todos los efectos.

Sobre el nombre de Toto hay varias teorias y leyendas.La propia banda contaba la historia de Toto,el perro de "El Mago de Oz".Despues estan las maquetas de este primer disco,a las que David Paich titulo como "Toto" para asi no confundirlas con sus otros trabajos en los estudios de grabacion.Lo cierto es que con el disco ya grabado aun no tenian un nombre oficial.Cuando los demas miembros de el grupo vieron las maquetas con ese nombre apuntado,Toto,Hungate comento que en latin,"In Toto" significa algo asi como "en general",o ·en su totalidad",es decir,era como ellos,que ya habian tocado en los discos de otros musicos y eran capaces de tocar todo tipo de generos,asi que ese fue el nombre con que se quedarian en la historia.

Hay otra teoria que habla de cuando conocieron a Bobby Kimball,el vocalista,y su verdadero nombre era el de Robert Toteaux,que se pronuncia como "Toto".En fin,yo recuerdo que cuando era solo un niño mi tia Gilda siempre me decia: "Mira el Toto",señalando a un perro.Ahi queda eso.

Lo cierto es que la historia de Toto da para muchas historias mas.Discusiones,cambios de formacion,liderazgos,gustos musicales,las giras eternas,las listas de exito,los estilos musicales,todo lo que vendria despues,fallecimientos,cambios...Recuerdo que llegue a comprarme algun disco mas de el grupo,como el "Turn Back",de 1981,Columbia Records,que era ya el tercer LP,y algun single tambien como el de"99".Seguian siendo carne de radio formula,ahora creo que lo llaman Yacht Rock y era la mezcla de generos lo que mas seguia llamando la atencion.

Yo escuche aquel disco todo el verano y es como si hubiese una cancion para cada uno de la familia,asi que es uno de esos discos a los que le tengo un cariño especial y en cada mudanza que he hecho el disco se ha venido conmigo.La razon de todo son las canciones asi que voy a por ellas,dejando el "Hold The Line" para el final.

El disco empieza con un instrumental de David Paich,el "Child's Anthem",¿ Pero esto que es ? Que disco me he comprado ? Eso fue lo que pense las primeras veces que escuche este tema,A pesar de que era un estilo musical al que yo estaba acostumbrado porque sonaba mucho en casa.Mis hermanos,sobre todo Jose,eran unos apasionados del Rock Progresivo y aquel era un momento es que este aun daba unos coletazos importantes.La lista puede ser larga:Emerson,Lake And Palmer,King Crimson,Yes,Genesis,Rick Wakeman y aquel disco de las esposas de Enrique 8,Jethro Tull y mas...

De alguna manera era lo que mis hermanos estaban empezando a hacer en su propia banda,Island,asi que escuchaban todos esos discos y mas de grupos no tan conocidos como Triumvirat,PFM,Faust o Babylon.Asi que por supuesto ni que decir tiene que ese primer tema de Toto,ese comienzo encanto a mis hermanos pero yo tarde mas tiempo en acostumbrarme a ese rollo cuasi epico de rock and roll mezclado con musica clasica.Lo mejor de todo es que era corto de duracion,apenas 3 minutos asi que cortito y al pie.Un tema lleno de guiños al genero y poco mas,Pasemos pagina.

La segunda cancion de la cara A es "I'll Supply The Love",composicion de David Paich,y todo cambia de forma radical con esta pieza mezcla de Power Pop y Hard Rock a partes iguales y muy tipica tambien de la epoca.Parece que estamos oyendo a Chicago o a Cheap Trick o alguno de esos grupos que con un riff de guitarra conquistaron el mundo.La voz principal es la de Bobby Kimball y entonces,lo cierto es que al final de la cancion insisten con el Rock Progresivo,asi que la sorpresa ya no es tanta hasta que por fin llega la tercera cancion.

"Georgy Porgy" es la cancion.Pieza de Soul,de Funk,de Disco,una de esas "Rare Grooves" en toda regla y tan bailable como hipnotica.A veces psicodelica,a veces puro ritmoy blues y con un duo fantastico de voces de Steve Lukather y la mitica Cheryl Lynn,una de las Reinas de la Musica Disco y que en ese mismo año,1978,cantaria el clasico de los clasicos,"Got To Be Real",ambas canciones eran una composicion de David Paich."Got To Be Real" era y es una de las canciones favoritas de mi hermana Cristina y que la bailaba por toda la casa haciendo las delicias de los que la mirabamos.Pues exactamente lo mismo con el "Georgy Porgy",que tambien se convirtio en una de sus canciones favoritas y que tambien la bailaba y la baila hoy en dia,como en su dia ambos temas fueron bailados en el mitico Studio 54.A la bateria esta Jeff Porcaro que homenajea a baterias clasicos como Earl Palmer y otros de la epoca dorada del Soul,Funk y Disco...Y la cancion se ha convertido en una Obra Maestra atemporal que ha ido cruzando generaciones.

"Manuela Run" con la voz de David Paich que tambien la compuso es la siguiente cancion.Mas carne de Radio Formula cuando esta valia la pena pero solo alguna emisora se habia dado cuenta de lo que venia incluso de lo que ya estaba: El Punk y la New Wave,que arrasaria con todo el Rock And Roll,el Soft Rock o Yacht Rock o la musica Disco.La cancion de Toto es una mezcla de todos los generos que han sonado hasta ahora y con un riff de guitarra que te engancha pero esta vez a el piano.En el estribillo oimos lo de "Manuela Run" y esta claro que es una cancion Pro Inmigrantes pero puede que esto solo sea cosa mia ? Recuerda a Fleetwood Mac,a Boston o a Journey,de los que alguna vez Toto fueron los teloneros,Recuerda otra vez a Chicago pero cambiando los vientos por teclados.Lo tenia todo para ser un Numero Uno mas pero no se edito como single.Bobby Kimball pone sus agudos y la siguiente cancion es una composicion del propio Kimball titulada "You Are The Flower" que el mismo canta con clase y elegancia,como siempre.Es otro ejemplo de Funk y de Soul sonando en la gran ciudad o yendo hacia las afueras,de la discoteca a el campo,sin problemas.Una flauta rodea toda la cancion y Kimball hace un trabajo fino.Eres la Flor de Mi Cerebro parece decir la cancion mientras el solo de guitarra pone las cosas en su sitio pero el toque a musica negra esta ahi,muy presente y eso precisamente es lo que va a acabar distinguiendo a Toto de las otras bandas supongo.La influencia de el sonido de Nola es palpable en este funk elegante y urbano. ¿ Blue Eyed Funk ?O El Funk tampoco tiene color ? La cancion va acabando y otra vez hay su toque prog,como no.Funk,Prog,Soul,Disco,eran los signos de los tiempos y asi se acaba la cara A,asi que le doy la vuelta a el disco y sigo.

La cara B se abre con la cancion "Girl Goodbye",composicion de David Paich que es cantada por Bobby Kimball.Se convertiria en un clasico de sus conciertos.En la introduccion parece que estamos ante una cancion de musica electronica,casi tecno pop,pero es solo por unos segundos hasta que se convierte en Hard Rock con unos toques de Funk.Algo como lo que un tiempo despues harian bandas como Red Hot Chilli Peppers e incluso Rage Against The Machine,pero siempre muy epico.Pues resulta que Toto ya habia estado alli.Ritmo trepidante llevado por la seccion ritmica y lo que otras bandas hacian con las guitarras,Toto lo hacian con los teclados pero el punteo de Steve Lukather tambien es epico y tremendo,y de alguna manera el sonido de Lukather recordaba a veces a el de Brian May.

"Takin' It Back",cancion compuesta y cantada por Steven Porcaro se fue convirtiendo en una favorita personal con el paso de el tiempo." Voy a ir hacia atras donde todo empezo" dice en una linea que se me quedo grabada.Una especia de balada funky sobre corazones rotos,un ritmo lento y jugueton,hipnotico,atemporal tambien y con el bajo y los teclados en primer plano,rodeando frases que ya no se olvidan como la ya citada y tambien otra linea brutal: "Las mentiras convertiran tu corazon en piedra.". Llegando hasta el final,aceleran el ritmo y esto le da un toque mas rockandrollero que suma aun mas nostalgia y realidad.Banda Sonora de la perdida y el amor no correspondido asi como de el deseo de redencion personal.Ese cambio de ritmo es fantastico y denota un talento compositivo de todos los miembros de el grupo.Aun hoy en dia,esta cancion se sigue manteniendo en el tiempo y fue utilizada como cara B de el single que llevaba el "Hold The Line",con lo que esta dicho todo.

"Rockmaker" es una composicion de David Paich.Fue el cuarto single que salio de este disco,ya en 1979,y es otra de esas canciones que tenia que haber sido un Numero Uno mundial.Sencillamente,lo tiene todo! Su riff de guitarra,su estribillo,su solo guitarrero,su letra,ese ritmo troton,un poco de Hard Rock y otro poco de Rock And Roll y Power Pop atemporal e instantaneo,Sencilla y directa y,puede que tambien,una serie de topicos hechos cancion.Pues si...¿ y que ? Hay veces que tenemos demasiados escrupulos y en la musica mas y asi nos perdemos la diversion.Recuerdo ponerla a todo volumen en casa justo despues de alguna cancion de AC/DC o Status Quo,grupo favorito de mi señora madre,y volvian los efluvios de Fleetwood Mac,Boston,Chicago,Journey,Styx y mas,y estoy seguro de que cualquiera de estas bandas hubiera firmado esa cancion,esa chulada Pop de 3 minutos con infulas rockeras y gritando: ! Rockmaker ¡ Rockmaker ¡¡

En la secuencia correcta de este Lp,ahora vendrian las dos ultimas canciones,las dos compuestas por David Paich,pero me tomo la licencia de cambiar el orden para darle un final espectacular a este texto o intentarlo...Ja! Ya quisieras tu...

"Angela"...las canciones con nombre de mujer eran una de las especialidades de Toto y en esta hacen una especie de viaje a la Edad Media,casi un Romeo y Julieta,en una balada al piano que hay que recordar que es la ultima cancion de el primer disco de Toto.Una gran balada de Pop Barroco como diciendonos que los rockeros tambien tienen su corazoncito,como no,no todo van a ser los cuernos y el infierno y el rock and roll way of life,no? Que se lo pregunten a Ozzy Osbourne.En este caso,Steve Lukather sublima la cancion con su voz y derrepente todo vuelve a cambiar en un estallido rockero y que se convirtio en marca de la casa.Pop,Musica Clasico y Rock,en un mismo recipiente.La cancion acaba con una especie de jam session entre el Prog y el Rock con los teclados a tope y un riff de guitarra que no se olvida.Y ahora,atencion a la lista de canciones con nombre de mujer que Toto fue incluyendo en todos sus discos..."Rosanna","Pamela","Holy Anna","Miss Sun","Hydra","Georgy Porgy","Manuela Run","Lorraine","Lea","Goodbye Elenore","Melanie","Mushanga","Anna","Carmen","Africa",y puede que se me olvide alguna mas,como "Chelsea",por ejemplo.Pero es con "Angela" con la que se acaba un primer disco realmente increible.

HOLD THE LINE

Seguramente me compre este LP por esta cancion ya que no llegue a encontrar el single en los lugares habituales del momento,Pregunte en Galerias Preciados,en donde aun trabajaba Cristobal de Armas,pero de quien era Cristobal me enteraria mas tarde en una entrevista en Radio Nacional que me hizo referente a los Mods y al Ecos de Sociedad y ahi queda su labor por la musica moderna en Canarias.La verdad es que aquel single era muy apetecible,tanto para los fans como yo como para los casuales.El "Hold The Line" en la cara A y el "Takin' It Back" en la cara B y que siempre fue mi favorita por que me recordaba a otros generos musicales.Pero ese single nunca paso por mis manos asi que sin dudarlo fui a por el larga duracion,y esto era algo que solia pasar,el comprar todo un LP por una unica cancion.Pudo ser en Galerias Preciados o en Discos Manzana pero no me acuerdo y tampoco es tan importante.

"Hold The Line" bebe de muchos sitios o eso me parece a mi,pero sobretodo es una cancion de amor y desamor,y si no,fijate en la letra...

"No es la manera en la que me agarras,no es la manera en que me dices que te importa o como has tratado a mis amigos.No es la manera en que te quedas hasta el final,como te vistes o las cosas que dices que vas a hacer.No esta en las palabras que me has dicho,no esta en la forma en que dices que eres para mi.No esta en la manera en que volviste conmigo ni tampoco en que tu amor me libera.No esta en como te ves o en las cosas que dices que vas a hacer,asi que mantente firme...El Amor no siempre llega a tiempo..."

Tambien se llego a traducir como "Tente Firme" en algunas partes de Sudamerica.

Hay diferentes teorias sobre la cancion pero lo mejor es la explicacion de David Paich,el autor,y que acababa de irse de casa de sus padres y ya tenia ese riff de piano en la cabeza.Aun estaba en el instituto y compro su primer piano para tocar ese riff y seguir componiendo.A sus vecinos ya no les gusto tanto con aquel piano sonando una y otra vez.La letra llego con facilidad.Por un lado,la cancion esta escrita desde el punto de vista de un adolescente que no sabe muy bien como explicar el amor,el enamoramiento,las personas que te gustan y las que no tanto.Hay uno de los recuerdos de David Paich que sirve como explicacion de el titulo.Aunn estaba viviendo en casa de sus padres y le habian regalado a la familia uno de esos telefonos de moda en ese momento que tenia la funcion como de pequeña centralita casera.Paich recordaba estar comiendo con su familia y recibia las llamadas de hasta 3 chicas a la misma vez! Su madre hablaba con ellas y les decia el ya mitico:"Hold The Line" o algo asi como Mantente En Linea,pero tambien peleando a su hijo mientras le instaba a decidirse de una vez.Puede que por eso la cancion tiene ese punto epico y belico...¿ No es el amor una especie de guerra ?Con uno mismo,con los demas,con la persona de la que te enamoras.Era una especie de Canto de Guerra.! Aguanta! Y elige bien,eso espero.Las parejas de enamorados construyen un vinculo aun mas fuerte que cualquier ejercito,sin duda.La cancion alcanzo el 5º puesto en las listas americanas y el 4º puesto en las listas britanicas,y llego a colarse en el TOP 10 en varios paises,pero solo en los Estados Unidos llego a vender mas de 2 millones de copias.

Como habia pasado con el LP,en la critica especializada hubo disparidad de opiniones,incluso no se terminaba de entender el eclecticismo del que la banda estaba tan orgullosa y que parecia que no se decidian por ningun genero en particular.Si los miembros de Toto ofrecian sus explicaciones era aun peor.Jeff Porcaro,el bateria,hablo de que habia tocado en el disco bajo la influencia de Greg Errico,que fue el bateria de Sly Stone and The Family,El cantante Bobby Kimball siempre decia que el era un cantante de Nueva Orleans y que asi la habia cantado,con el estilo de su ciudad.El solo de guitarra de Steve Lukather es tan complicado como melodico.

Para Toto,nada fue lo mismo desde el mes de Septiembre de 1978,y ya en Enero de 1979,saldria un single con el "I'll Supply The Love"...El resto de la historia ya es parte de la leyenda.

Cuando oyes ese riff del piano ya no lo olvidas,entonces entra la bateria y las guitarras.Y Toto,sin problema ni escrupulos,iban de la musica Pop al Heavy Metal,pasando por Rock And Roll y el Rock mas Progresivo.Realmente no se quien gano la batalla entre Toto y Survivor,o si,y a las pruebas me remito.Es decir,gano el "Hold The Line" de Toto.

La cancion ha quedado como representacion de que,aquello de rendirse no es una opcion,en el amor,en el boxeo,en la vida...Y cuando Bobby Kimball canta sus estrofas,a mi lo que me da es una ternura tremenda.Tal vez,nostalgia de otros tiempos mas sencillos.

Por supuesto,despues de este primer LP,yo segui siendo fan de Toto con el siguiente disco:"Hydra",de el año 1979,y me compraba todos los singles,como el "99",o el mismo "Hydra",tan clara como maravillosa cancion.Pero hasta me gustaban las caras B,como el "St.George And The Dragon".En 1981 llegaria el tercer disco de la banda: "Turn Back",otro disco que me encanto y que recuerdo ponerlo a todo volumen en casa,donde ya empezaban a sonar otras cosas,que si The Jam,The Cars y The Clash,The Specials,Madness,Lords Of The New Church,,,Para mi,las guitarras de Steve Lukather seguian siendo y sonando brutales.Este disco no vendio tanto como los anteriores pero el que vino despues,es decir,el que se llamaba "Toto IV",de 1982,vendio incluso mas y Toto volvio a lo mas alto.

Pero ahi yo ya no estaba y ahora ya estaba atrapado en el Revival Modernista,en el Punk y en la Nueva Ola,con el disco de Joe Jackson como bandera.La sorpresa,pero no tanto para mi,fue la banda sonora para la pelicula "Dune",1984,de David Lynch.Recuerdo escucharla y pensar para mi mismo: "Vaya,siguen siendo los mismos.En las sesiones de grabacion de ese disco participarian el padre de David Paich,Marty Paich,y Emil Richards,que habia sido compañero de el padre de los Porcaro.La historia de esa banda sonora y de la pelicula es otra leyenda a contar.Eso sin hablar de los diferentes vocalistas de Toto,y los cambios de formacion,los cientos de conciertos,los premios y las giras que nunca se acababan,el paso de el tiempo pasando su factura,y la conviccion de no rendirse nunca,aunque sea una opcion que siempre esta presente y el de seguir adelante siempre,pase lo que pase y siendo fuerte,siempre fuerte,manteniendo el tipo.

JMG

Ecos de Sociedad

La Vieja Ola

JOHNNY HODGES

 John Cornelius Hodges.Johnny Hodges.Johnny "Rabbitt" Hodges.Rabbitt para los amigos,aunque quien necesita enemigos con amigos como estos que te llaman "Conejo".Asi eran las cosas en el mundo del Jazz.El saxofonista alto y de vez en cuando soprano,Johnny Hodges,fue uno de los sonidos mas facilmente reconocibles del jazz durante toda su vida,ya fuese exhibiendo su talento en la seccion de metales de la banda de Duke Ellington,dirigiendola como ninguno o interpretando un apasionado solo mientras permanecia clavado en su atril,con la mirada fija en el espacio y con un aspecto,habra que aceptarlo,que realmente recuerda a la postura de un conejo.Asi que quien le puso el apodo acerto de lleno,enemigo o amigo...pero tambien hay otras teorias sobre esto.

Hodges habia nacido en Cambridge,Massachusetts,el 25 de Julio de 1907,y aprendio a tocar la bateria y la guitarra y no se pasaria a el saxofon hasta 1920.Debuto con la orquesta de Bobby Sawyer en 1925,y despues de haber trabajado con el bateria Chick Webb todo el siguiente año,ya entro en el universo ellingtoniano junto a su paisano Harry Carney.El autodidacta Hodges ya habia aprendido algunas cosas de el clarinetista Sidney Bechet cuando trabajo para el y luego formo parte de una serie de bandas en Boston y Nueva York,antes de establecerse definitivamente en La Gran Manzana,ya en 1928,y ocupando el primer puesto de saxofonista alto con Duke Ellington.A este se lo habia recomendado Barney Bigard,un compañero de Bechet.

Hodges fue emergiendo lentamente al primer plano en una banda que estuvo dominada inicialmente por el amor de Ellington al sonido de los metales,trompetas y trombones,en manos de Bubber Miller y Tricky Sam Nanton.Ya hacia mediado los años 30,Hodges se habia hecho el lider nominal de muchas de las obras maestras producidas por los pequeños grupos de Ellington y grabo una serie de melodias compuestas por el mismo como "Jeep's Blues" y "Good Queen Bess"

Los dos puntos fuertes de Johnny Hodges eran como baladista y como interprete de Blues,con su tono potente y un ataque apasionado que encajaba a la perfeccion en ambas formas.Pero lo cierto es que el saxofonista siempre sono igual durante toda su carrera,un sonido atemporal entre el swing y el blues mas ortodoxo.Asi que,realmente,siempre fue moderno,siempre sonaba actual,y siempre sonaba a el mismo.Duke Ellington supo aprovechar al maximo esas cualidades componiendo una interminable serie de piezas creadas en exclusiva para Hodges.En una primera etapa,Rabbitt estuvo con Ellington desde 1928 a 1951...Y entonces se pelearon y se dijeron las cosas a la cara.Lo cierto es que cuando Johnny Hodges abandono la formacion de Ellington,era el saxofonista alto mas famoso del Jazz.

Lo que queria el saxofonista era trabajar por su cuenta y en el periodo que va de 1951 a 1955,dirigio una pequeña banda,que combinaba un estilo tipicamente enraizado con el swing,mezclado con una buena dosis de Ritmo y Blues.Esos años de independencia creativa y grupal no lograron quitarle la huella de el maestro de Washington,e incluso ni el mismo Hodges queria desprenderse  de esa huella.Un estilo,una huella sonora que el mismo Hodges habia contribuido grandemente a profundizar.Con su grupo,Hodges tambien tuvo algunos exitos entre el publico y la critica especializada,pero habia algo que detestaba y eso era,ser un Lider.El no era un lider nato,preferia la sombre,tal vez,la comodidad de ser importante,pero a la misma vez,ser uno mas de la orquesta.Dicho y hecho,Hodges y Ellington hicieron las paces y en 1955 volvio a la orquesta de Duke en una segunda etapa..Pero eso si,con la posibilidad de poder seguir grabando en sus propios marcos musicales,ya fueran ellingtonianos o no,y dirigiendo a los musicos como lo habia visto hacer tanto tiempo a su viejo amigo.Esta costumbre de Johnny Hodges duraria hasta poco antes de su muerte.Ya nada los iba a separar y Hodges llego a grabar el par de discos clasicos y con grupos pequeños,siempre  co-dirigidos junto a Ellington.Era ya 1959 y junto a Johnny y Duke estaban Jo Jones a la bateria,Al Hall y Sam Jones en el contrabajo y Leslie Spann a la guitarra.

En uno de estos discos titulado: "Back To Back",1959,para el sello Verve,Hodges reinvestiga y rebusca en alguno de los numeros de Blues mas antiguos asociados a la historia de el Jazz,de W.C Handy en adelante,y de alguna manera,ese afan tambien venia inspirado por Duke Ellington.En la portada de este disco se puede ver a ambos musicos sentados espalda contra espalda,como rememorando sus viejas rencillas y eso a pesar de que ya llevaban pasados 4 años desde la reunion.Nunca olvidaron el sentido del humor y el respeto que se tenian entre ellos.

Johnny Hodges iba a permanecer en la orquesta de Ellington hasta su muerte,el 11 de Mayo de 1970,a la edad de 62 años.Duke moriria 4 años despues,el 24 de Mayo de 1974,a los 75 años.

Johnny "Rabbitt" Hodges,quien durante muchos años fue una de las voces instrumentales que prestaron su individualidad al famoso pegamento de la seccion de saxofones de la orquesta de Duke Ellington,quiza haya sido tambien su principal solista.Gran cantidad de omposiciones de Ellington fueron escritas con Hodges en la cabeza,pensando en su incomparable sonoridad y peculiar estilo.Siempre clasico,siempre moderno,siempre perfecto.Tambien Billy Strayhorn compuso pensando en el saxo alto,y la interpretacion de Rabbitt de la ultima composicion de Strayhorn,titulada "Blood Count",es uno de esos momentos historicos mas emocionantes de la historia de el Jazz.

Por cierto,el apodo de "Rabbitt",puede tener dos origenes mas;uno era porque en el instituto,Hodges era el mas rapido de sus compañeros en correr los 100 metros...Pero tambien existe la otra teoria contada por su amigo y compañero Harry Carney,que el apodo le venia de la preferencia de Johnny Hodges por los sandwichs de lechuga y tomate...y que mientras se los comia realmente recordaba a un conejo.

" La orquesta nunca sonara igual sin Johnny.Puede que no fuera el mayor de los showman,o que no tuviera personalidad en el escenario pero,tenia un tono tan bonito que era capaz de hacerte llorar y de emocionarte como muy pocos."   Duke Ellington

VILLA COCTEAU

 " Mi Sangre Se Ha Transformado En Tinta."          Jean Cocteau

Diseñador de Escenografias,Director de Cine y Novelista,Escritor de Poemas y Dramas,Amigo de Picasso y de Proust y de Stravinsky,Director de Escena de Ballets,Dibujante,Pintor...y la lista podia seguir y seguir sin final.Jean Cocteau (1889- 1963 ) veia en el cine un instrumento,uno mas de los muchisimos medios que le permitian expresarse como poeta y acerrimo seguidor del Movimiento Surrealista.Si bien su obra cinematografica resulta comparativamente escasa,precisamente por ese motivo,esta versatilidad se refleja de un modo fascinante en sus peliculas.Es mas,su vida fue de pelicula.La primera cinta del Cocteau Cineasta que se conserva es "La Sangre De Un Poeta",1930,ya conserva  y revela su proximidad al movimiento vanguardista y se asemeja en muchos aspectos a los trabajos de juventud de Luis Buñuel.En este titulo,que contiene una serie de fantasticos efectos especiales,Cocteau se entrega a una reflexion intima sobre  la existencia del artista y el origen de la inspiracion.Este era un tema que volveria a  retomar en "Orfeo",de 1949,y en el que fue su ultimo proyecto,"El Testamento de Orfeo",1959-1960.Formando asi una Trilogia sobre los Artistas y sus Musas.Pero sin lugar a dudas,el largometraje preferido del autor es el clasico "La Bella y La Bestia",1946,en el que logro trasladar a la gran pantalla un celebre cuento mediante la poesia visual surrealista y grandes dosis de Magia.El Protagonista Masculino de esta pelicula fue el actor Jean Marais,compañero sentimental de Cocteau durante muchos años y que aparece en todas sus peliculas.Su belleza era impresionante,casi la perfeccion hecha carne humana,de rasgos muy marcados y cabellera rubia,aparte de una complexion atletica de estatua griega.Jean Marais ( 1913 - 1998 ) parecia destinado a interpretar el papel de deslumbrante heroe en la pantalla y en nuestra imaginacion.Tras empezar su carrera con personajes secundarios en cine y teatro,en 1937 se encontro con Jean Cocteau,y de alguna manera,fue como volver a nacer para la vida y para el Arte.Se enamoraron y se convirtieron en pareja enamorada de lo que hacian.Actor Fetiche del cineasta y Complices Artisticos en La Creacion.A continuacion de "La Bella y La Bestia",ambos colaboraron en "Los Chicos Terribles",1948,asi como en otra pelicula titulada "El Aguila de Dos Cabezas",1948,pero fue con las peliculas de Orfeo en donde se destacaron sobre todos los demas.Al mismo tiempo,Marais se convirtio en toda una estrella,el galan por excelencia de el cine frances mas popular.De esta manera,su presencia y su buena forma fisica fueron aprovechadas sobre todo en peliculas de aventuras con trasfondo historico y social,como "El Intrepido Letour",1957,que fue todo un exito de taquilla,y en donde se contaba aquello de que Jean Marais no necesitaba ni dobles ni especialistas,ya que el mismo hacia todas las escenas peligrosas.Participar en este genero del cine de evasion no le impidio resultar convincente en otro tipo de peliculas mas ambiciosas como "Elena y Los Hombres",1956,con Jean Renoir dirigiendoles esta vez.Tambien en el clasico de Luchino Visconti,"Noches Blancas",1957;Por supuesto,en mi caso,Jean Marais se me quedo grabado y gozo de una gran popularidad en casa y en el mundo entero gracias a su papel de avispado criminal en la entretenida saga de "Fantomas",(1964,1965 y 1966).Ejemplos de el Cine pensados para disfrutar de la tarde de los sabados en buena compañia y disfrutando como un niño chico.Tampoco hay que olvidar a Jean Marais no se le resistio el Teatro,con mayuzculas.Llegando a triunfar no solo como actor sino tambien como director de las obras que escribia Jean Cocteau y que Marais representaba con conocimiento de causa.Esas obras de teatro acabarian siendo peliculas de el mismo Cocteau y cuando Cocteau escribia guiones para otros autores siempre tenia a Marais en mente...Y estoy pensando en otras obras maestras como " Las Damas De El Bosque de Bolonia",1944-1945,de Robert Bresson o "Los Chicos Terribles",1950,de Jean Pierre Melville y "Thomas,El Impostor",1964,de Georges Franju.En un giro fascinante,llego la decada de los 70 y el actor dejo la pantalla y los escenarios,dedicandose a la pintura y a la escultura.Solo lo pudimos ver en la gran pantalla una vez mas ya que participo en "Belleza Robada",1996,dirigida por Bernardo Bertolucci.Un pequeño guiño al destino ya que moriria un poco tiempo despues.Las enseñanzas en todos los sentidos de Jean Cocteau fueron asimiladas por sus compañeros cineastas demostrandoles que para hacer buen cine no se podia olvidar a los clasicos para hacer algo moderno.Y que Melies o los Hermanos Lumiere aun seguian siendo espejos en donde mirarse y seguir adelante.Solo hay una cosa con la que no se puede luchar y es que decimos adios a la juventud con el paso de los años,pero nunca se dice adios a la libertad con el paso de el tiempo.

Cuando se aproximaba la fecha de su 60 cumpleaños,Jean Cocteau dejo su casa de la Rue de Montpensier en Paris para pasar unos dias en la Villa Santo Sospir en Cap-Ferrat,en la Costa Azul.Una villa en el Sur de Francia que pertenecia a Francine Weisweiller,la esposa de un banquero y magnate del petroleo que Cocteau habia conocido rudante el rodaje de "Los Chicos Terribles",1948.Aquel le parecio un buen plan,el matrimonio era gente culta y elegante y no estaria mal pasar unas semanas alejado de todo lo que significaba la capital de Francia.Buscar una nueva inspiracion y sobretodo,tenia un buen palpito referente a la diversion y la creacion.En efecto,lo que iba a ser una especie de semi-retiro por apenas unos dias,se convirtio en mas de 10 años de enamoramiento y correspondencia amorosa con Francine,amiga de la que se enamora por diferentes razones.Pero no solo eso,el genio pasa los dias jugando una nueva partida de la vida a tres bandas.Y es que ademas de Francine,la bella y daliniana Francine Weisweiller,que le susurraba poemas en portugues,estaba el tambien bello y escultural veinteañero,Edouard Dermit,actor y pintor al que Cocteau conocia desde la decada de los  50 y que fisicamente le recordaba al amor de su vida.En la villa era conocido como "Doudou".Los dias pasan en la villa llenos de placidez veraniega.Por las mañanas a Cocteau le gusta estar en una tumbona sobre la hierba y tomar el sol,fumar en pipa y asi se sabe donde esta por el olor de el tabaco.Diariamente se fumaria unas 30 pipas de su tabaco favorito,expresamente traido desde Paris.Nunca esta solo del todo,le rodean artistas y todo tipo de intelectuales que le vienen a visitar de todas las partes de el mundo,asi como una larga lista de camareros y camareras de servicio,choferes,y los Chefs mas famosos de el mundo que son invitados por Francine para que la placidez y la calma y la comida sean perfectas.

Despues,por la tarde,Cocteau desciende los 100 escalones excavados en la roca que le llevan hasta el mar,mientras se pregunta como serian los hombres que hicieron aquellos escalones y como le hubiera gustado conocerlos en persona.Al volver despues de los baños de mar,se desplaza a la que es su habitacion,que el mismo bautiza como "El Dormitorio de Los Sabios".Y es que dormir es de sabios,pero tambien lo es de aquellos que necesitan dormir mas horas que los demas,como si estuvieran enganchados a la posiblemente peor de las drogas.En aquel dormitorio holgazanea y retoza y duerme por horas y horas,hasta que se incorpora y se pone a escribir en su postura favorita: de rodillas.En aquellos maravillosos atardeceres tambien tiene tiempo de leer mientras el aroma de las fresas silvestres se cuela por la ventana,abriendole el apetito.Pero lo que mas le llena y le gusta es la pintura.Esto lo llego a contar en una escena de "El Testamento de Orfeo",rodada casi integramente en en Villa Santo Sospir durante 1960.Jean Cocteau pintara utilizando toda la casa como lienzo,o mas bien,como si de tatuajes se trataran,contaba el artista.Dibujos y Lineas en la chimenea,en los suelos,en todas las habitaciones de las paredes,en los pasillos,en tapices y pantallas de lamparas.Su amiga y amante Francine le cuenta la historia de la casa y,por unos momentos,Coctaeu se detiene para escucharla mientras le mira a los ojos.Su marido y ella habian visto la casa,como una aparicion fantasmal,desde un barco en medio de el mar.La Segunda Guerra Mundial habia ya terminado y el matrimonio Weisweiller,de origen judio,escapan de la locura nazi,caminando por un bosque,siempre escondidos y en fuga continua.Alec Weisweiller le hace una promesa a su esposa Francine: Si logran salir con vida de toda aquella tragedia,buscaran un lugar tranquilo y apacible en donde establecerse.Es decir,hacer o adquirir la Casa de sus Sueños.Un año mas tarde,en 1946,ya libres y a salvo,el matrimonio esta navegando por Villefranche y ven la casa de la villa entre los arboles,no lejos de un faro que siempre ayudo a los marineros de la zona a guiarse en las tempestades.Aquello fue como la señal que estaban esperando y compraron aquella villa.

Jean Cocteau pintaria en su honor pescadores con gorros frigios,unicornios,sirenas,personajes biblicos y mitologicos dibujados a carboncillo.El artista empezo comprando el par de monos de trabajo,pinturas mates y brillantes,y habia dias especiales que se levantaba con el amanecer,contestaba la correspondencia que estaba pendiente,y se lanzaba a dibujar por toda la casa.Los dibujos se extienden tambien por todos lados,hasta las pantallas de las lamparas,como se podia ver en el caso de la primera habitacion de la villa que fue decorada y que estaba protagonizada por Apolo,el Dios de Las Artes y del Sol,asi como Patron de La Navegacion.Tenia el empeño de hacer algo bello con toda aquella historia de tragedia y superacion.Y alli estaba la propia Francine para actuar en todo lo posible.Por ejemplo,amueblando toda la casa con mobiliario traido directamente de Paris,de Inglaterra,Bali y Sumatra.Poniendo todos sus conocimientos y contactos a disposicion de Cocteau y la construccion de la belleza atemporal.Amiga y Mecenas de Yves Saint Laurent,clienta exclusiva de Dior y de Balenciaga,asi como amiga personal de Coco Chanel,Francine penso en todo.Incitando a su adorado Cocteau a que diseñara joyas y mosaicos que tambien formarian parte de la villa.La leyenda habla de esa pasion,en la forma de un tapiz que Francine encargo en el taller de Aubusson y que tardo hasta 7 años en realizarse.Entre ambos crearon una atmosfera tan mitologica como pensando en el futuro que no se podia olvidar y que recordarian cada verano,con los baños en el mar y tomando el sol del mediodia,dejando que la brisa les refrescara hasta que llegase otra vez la puesta de sol,y entonces,de una manera magica y fantasiosa,la villa,la Villa Cocteau,se hacia eterna,como la sangre y la tinta.

" Escribir para mi,es dibujar,atar las lineas para que se conviertan en escritura,o desatarlas para que la escritura se convierta en dibujo."  

Jean Cocteau

Villa Cocteau

Un Texto de La Vieja Ola para el Ecos de Sociedad.

Diciembre,2025

LA CIUDAD ESPEJO

 Empece a pensar que ya hacia la vida de una escritora,porque mis dos libros de cuentos habian sido publicados y "Jardines Perfumados Para Los Ciegos" estaba a punto de salir a la calle,y durante el tiempo que habia pasado en Grove Hill Road habia notado que mi vida entraba sutilmente en un mundo de ficcion en el que yo desplegaba ante mis ojos todo lo que veia y oia,la gente que encontraba en los autobuses,en las calles,en las estaciones de ferrocarril,un mundo en el que vivia escogiendo entre los tesoros exhibidos,frag-mentos y mo-mentos que combinaba dandole la forma de novela,de poema,o de cuento.No desperdiciaba nada.Habia aprendido a ser ciudadana de la Ciudad Espejo.Lo unico que me capacita para continuar esta autobiografia es que aunque he utilizado,inventado,mezclado,remodelado,cambiado,y añadido y quitado algo de todas mis experiencias,nunca he escrito directamente de mi propia vida y mis propios sentimientos.Sin duda,me he mezclado con otros personajes que son en si mismos un producto de lo conocido y lo desconocido,de lo real y lo imaginado;he creado "yos",pero nunca he escrito sobre "mi".

¿ Por Que ? Porque si hago ese aventurado viaje a la Ciudad Espejo donde todo lo que he conocido o visto o soñado esta bañado con la luz de otro mundo,¿ que sentido tiene que regrese solo con un reflejo de mi misma ? ¿ O de otros que existen bajo la luz del dia ? El yo debe ser el recipiente de los tesoros de la Ciudad Espejo,el Mensajero,por asi decirlo,y cuando llegue el momento de ordenar y enumerar esos tesoros para transformarlos en palabras,el yo debe ser el trabajador,el que lleva la carga,el que escoge,el que coloca y el que pule.Y cuando el trabajo queda concluido y debe soportarse la nada,el yo puede tomarse un descanso,aunque solo sea para volver a tejer el recipiente usado que aguarda la siguiente visita a la Ciudad Espejo.Estos son los procedimientos de la ficcion."Poner las cosas por escrito tal como ocurren" no es ficcion.;debe existir el viaje que cada uno hace por su cuenta,el cambio de la luz que converge sobre el material,la disposicion de la autora misma a vivir dentro de esa luz,de esa ciudad de imagenes gobernadas por leyes,elementos y monedas diferentes.

Escribir una novela no es sencillamente salir de compras al otro lado de la frontera,a un pais irreal: son horas y años pasados en las fabricas,las calles y las catedrales de la imaginacion,aprendiendo el singular funcionamiento de la Ciudad Espejo,sus cielos y su espacio,su propio sistema planetario,sin detenerse a pensar que una pueda quedar sin hogar en el mundo,en la bancarrota,abandonada por el Mensajero.

extraido de

"THE ENVOY OF MIRROR CITY",1985

El Mensajero de La Ciudad Espejo

Janet Frame

EL TRIPLE SALTO MORTAL

 Aprender a saltar en el circo,requiere un duro y largo entrenamiento.

Ademas,es peligroso.Por ello,muchos acrobatas acaban por abandonar este numero que costo la vida a tantos saltimbanquis: El Triple Sarto Mortal.

Sin embargo,el clown Wheal,en 1872,cuando contaba ya con 50 años de edad,celebro la mayoria de edad de su sobrina,Mia Zephore,amazona de especialidad,dando nada menos que un centenar de saltos mortales.Tarea rara vez llevada a cabo.

Los Saltos,en la terminologia circense,reciben diversos nombres,pero el que mas atrae a todos los acrobatas en el Salto Mortal Sencillo,o el Salto Mortal Doble.

Y claro,el Triple Salto Mortal.

El que por ser el mas dificil y a la vez el mas peligroso - segun las palabras de Armiñan - es el que mas victimas ha causado en el circo.

El Salto Mortal Sencillo es segun los entendidos,relativamente facil de lograr como dificil es el Doble Salto y el Triple Mortal.

En 1835,el acrobata ingles Tomkinson consiguio el Doble Salto Mortal.El fue el inventor de este numero tan espectacular que fue la causa de la muerte de muchos saltadores.

En 1866 le costo la vida al acrobata Richardson que se mato al saltar cuando estaba actuando en San Petersburgo.En Toulouse en 1888 murio el acrobata Bourgeois.Un año despues se mato la mitica Olga Poposchill.El famoso Ulrich,intentandolo,se desnuco muy poco tiempo despues.

Esas muertes eran casi siempre debidas a la perdida de la nocion del suelo con la consecuencia de la rotura de las vertebras cervicales.

Un hombre osado,el payaso Gayton,perdio la vida al intentar tambien el Triple Salto Mortal.Otro clown,el payaso William Hobbes,anuncio que el iba a repetir el intento.Asi lo hizo ante un circo que estaba lleno a rebosar.Lo intento si,y tambien...se mato.

La lista de aquellos que siempre intentan lo imposible para que se vuelva posible para los demas seria casi interminable.

Por fin lo consiguio en 1860 Billy Dutton,pero aclaro que el Triple Salto Mortal le habia salido por pura casualidad,trabajando en Illinois en el Circo Lake.

Jamas volvio a intentarlo.

En 1870,esta vez en Nueva York,lo consiguio una vez mas Bob Stickney.

Y a partir de entonces,el Triple Salto Mortal,se pudo ver en circos por todo el mundo.

En Recuerdo de todos esos Saltimbanquis Pioneros...

La Vieja Ola-

EL SONIDO DE LOS BESOS

Antes,los besos no sonaban

pero,igualmente,eran besos.

Son besos.

Ahora,los besos suenan a todo volumen

haciendo un estruendo de amor y cariño,

y siguen siendo besos.

Besos para una Madre

Besos  a una Hermana

Besos a una Sobrina

Besos,

que suenan igual

pero no es lo mismo que besar por amor,

Es decir,

todos los besos suenan igual

pero no todos los besos son iguales.

En cualquier caso,

el sonido de los besos

me recuerda a ti.

J.M.G

Para Rose,en su Cumpleaños.

CANCION QUE MORIRA DE LUTO

 El dia rodo en tres pedazos

- mañana,mediodia y tarde -

( Cancion que morira de luto )

Me he quedado solo volteando mi campana.

Abro el cuadriculado de cristal;

pero la calle

no me da la risa de un polichinela o de un globo de luz.

Solo bolas de humedad estallan en mi frente

y un niño - con una cara fea - llora su cometa

que trepando se fue nubes arriba...

Un recuerdo juega a la peonza con mi corazon,

y, a veces,aprieta su cordel queriendo estrangularlo.

( El niño llora tanto,

que las casas frunciendo sus tejados

maldicen la cometa - cascabel de una bruma - )

El dia rodando da el ultimo agudo;

y yo presto el trampolin de mi fantasia

para que saltando me distraiga el viento.

Poniente borro el sol.

Y la noche - morena de ojos grandes -

estrena un traje...

Cierra el cuadrilatero de cristal

y me borro en mi cuarto.

La cancion muere de luto.

Jose Antonio Rojas

( 1906-1930)